Una de las cosas que más me gusta de la impro es la sinergia

El trabajo en equipo siempre me ha gustado, no sé bien porqué, puede ser que siempre me encontré en falta de un par, de alguien con quién hacer equipo, como soy hija única, de niña solía jugar sola y cuando podía, buscaba gente para incluirme en sus juegos o invitarlos a los míos.

A nivel profesional, coordinando tareas de comunicaciones dentro y fuera de una empresa u organización, también prefería la comunicación interna. Me gusta este contacto con la gente, me gusta que se originen lazos afectivos entre un grupo de personas. Bueno, a mí me mola esto por amor al arte, pero a los directivos de las empresas les mola o les debería molar porque si en un equipo se siente camaradería y apoyo mutuo, este equipo rendiría mejor, tendría mejores resultados.

Y en la improvisación teatral también he encontrado esto que me gusta: un equipo, una intención de crear sinergias y complicidades para funcionar. Las personas necesitamos apoyo para desarrollarnos en cualquier ámbito. Este apoyo necesita trabajo, este trabajo es uno de los que se realizan entrenando en improvisación para el teatro.

Escucha a tu compañero

En la impro no se puede sacar a adelante una escena si no se escucha al compañero, y no se escucha al compañero si no se lo toma en cuenta, ergo, hay que tomar en cuenta al compañero, reconocerlo como miembro del equipo. El grupo de gente que se para en un escenario a improvisar es o debería ser un equipo, trabajar por un objetivo común, disminuyendo los egos y prestando sus recursos en pro de un fin bueno para todos los miembros. Lo que es bueno para el equipo es bueno para cada integrante de forma individual.

Yo que voy más allá, me atrevería a decir que la improvisación teatral entrenada con frecuencia nos hace mejores personas, me atrevo porque no se me ocurre que se entrene con asuidad y no se mejore la escucha. Defiendo el argumento de que la escucha nos acerca más como personas, que trabajar en equipo , colaborar es mucho mejor que competir, lo defiendo y los invito.

😊

¡Más escucha, más impro! 

Tokio Blues nos hizo amar a Murakami

Recuerdo que tenía en mi lista de MUST a Murakami porque una amiga me había hablado bien de Tokio Blues, leí el libro el año pasado y me encantó, le escribí para contárselo y me dijo que no me lo recomendó ella, “vaya, tan joven y ya con lagunas”, pensé jaja.

Bueno, pues igual se me ocurrió un juego que por fin ve la luz así va:

  1. Leo un libro, si me gusta o me produce algo que me invita a regalarlo, lo regalo.
  2. Espero pacientemente, esto es lo duro del juego, a que esa persona lo lea.
  3. Cuando lo ha hecho le pido que me escriba algo sobre él.
  4. Publico las dos partes, su impresión y la mía, así hermano de la manera más cursi nuestra amistad y lo que nos gustó del libro jeje.

Pues bien, aquí va lo que Valeria escribió:
Es mi primer Murakami y, ¡qué gran descubrimiento! Me fascinó cómo exhibe dureza y ternura desde personajes y situaciones cercanas. Es fácil identificarse en alguna escena o diálogo. En
este sentido, se me clavó en el alma el personaje de Hatsumi.
Ella, siempre tan perfecta: elegante, inteligente, paciente, comprensiva…parece innacesible…hasta que lees su última conversación. Sin artificios. Sólo diciendo en voz alta algo que ella y los lectores ya sabemos: “No estás enamorado de mí, ¿verdad?”

La conversación previa es durísima. Sin entrar en narraciones cargadas de detalles y sentimentalismos, se puede sentir el desprecio hacia los sentimientos de Hatsumi y cómo el corazón de ésta se sobrecoge. El final de Hatsumi lo sientes. Son líneas dolorosas. En las que Murakami no describe los sentimientos de los personajes. No. Describe, a través de Watanabe, el ambiente físico, la luz, el color del vestido…


“Hatsumi cruzó los brazos, cerró los ojos y se recostó en el asiento del taxi. Los pendientes de oro refulgían con el vaivén del vehículo. El vestido azul medianoche parecía haber sido confeccionado a propósito para la oscuridad del interior del taxi. Los labios bien delineados de Hatsumi, pintados en un tono pálido, temblaban como si ella misma temiera abrir la boca e iniciar un monólogo.”

Hatsumi prefirió guardarse su dolor. Tan perfecta. Tan innacesible. “La fuerza que emanaba de ella estaba escondida, pero despertaba la empatía en los demás”

Ahora lo mío:
Murakami es un escritor al que quiero seguir leyendo. Como no soy una experta en gramática, ni en narrativa, solo juzgo lo que me ha hecho sentir la historia.

Con este libro, me he vuelto adolescente, otra vez, como si no lo fuera ya diariamente. Me ha enternecido el amor del prota por su mejor amiga y luego por la flaquita que aparece después. Este personaje es el que más me gustó, me gustan los personajes de mujeres en apariencia frágiles y recontra fuertes de espíritu.

Las novelas ya no son el género que más frecuento, pero de las que recuerdo seguro Tokio Blues estará en el top ten por mucho tiempo. Amor adolescente sí, pero con esa sencillez tan diáfana del autor, con ese detalle que hasta hoy, por ejemplo, me hacen recordar la chompita (jersey) del enamorado o el frío de la estación del metro la madrugada de la borrachera o el cálido momento en que solo se acompañaban los dos.

He dicho mucho y nada, para variar, pero no quiero ser spoiler y no me acuerdo de los nombres de los personajes, pero si es verdad eso que dicen de Murakami, eso de que o lo amas o lo odias, yo lo amo 🙂

Cabe resaltar que Valeria firmó el mail así: Angelita…I love MURAKAMI

Eres tu circunstancia

Nunca he sido tan consciente de mis facciones hasta que vine a vivir a Europa. No pensaba en mi cara ni en mis rasgos con frecuencia. Sabía que soy cajamarquina, que mi madre es de Condormarca, un pueblito pequeño que no aparece en el googlemaps y que está entre Matara y San Marcos, sabía también que mi padre es de Las pirias (distrito cajamarquino más cercano a la selva peruana que a la ciudad de Cajamarca), pero nada más.

En mi ambiente cotidiano (Lima) era obvio que yo era una chica de la sierra por mi modo de hablar, por mi amabilidad etc, etc, jaaaaaaajajaja, pero no notaba esa separación de los demás, esa sensación de “diferente”. Aquí sí se nota, soy latina para los de acá (sí, acá, no aquí jaja) pero puedo ser de Bolivia, de Ecuador, de Perú o de Honduras, incluso de Filipinas, no lo tienen claro.

Esto me hizo pensar en la identidad, uno no es su rostro solamente, uno es sus recuerdos, sus hábitos, sus palabras, sus afectos, su cultura. Al cumplir 30 años quise hacer un experimento de cómo se ve mi cara antes y después del gran día. No hay cambios sustanciales. Llegar a los 30 no se nota en la expresión facial, llegar a los treinta solo lo notan quienes hacen las preguntas incómodas de la edad.

Y ahora que he mencionado: “cara”, “cultura”, “identidad” pensé que podría decir algo de lo orgullosa que me siento de ser una mujer andina o de lo que me emociona sospechar que algo de sangre selvática corre por mis venas, pero no es que me produzca gran éxtasis ni emoción. Me explico, antes de que afilen espadas los chauvinistas, yo siempre me alegré de nacer en el distrito de Cajamarca porque por los pelos no nací en Jaén (otra provincia de la Región de Cajamarca), pero esto era porque mi madre decía que Jaén era un lugar feo, yo no tenía conciencia de eso, pero me compré el argumento y dije: bien!, menos mal que nací en Cajamarca. Y bueno, luego ya siendo súper conciente de la belleza de esa ciudad del norte peruano, ya uno sonríe más y saca pecho cuando se sabe que es su tierra.

Pero el origen es random total, o sea, soy andina y tengo muchas costumbres andinas que me encantan pero no soy solo andina, soy peruana, soy sudamericana, soy del mundo, soy persona. Me gusta el lomo saltado pero no me aloco por el ceviche, me gusta el pisco sour pero ante el pisco puro y el tequila prefiero el tequila, soy de ciudad pequeña criada por gente del campo, pero una semana de campo me ahoga, digo que la selva es bacañolaza pero a lo mucho he hecho una caminata de 5 horas en Tarapoto. Me encanta el carnaval cajamarquino, pero mezclar el frito y el ceviche no me pone mucho. Pero si bien crecen nuestros afectos por la tierra en la que vivimos, también crecen algunas antipatías por esas tierras en las que no vivimos. No controlamos nuestro origen, pero sí podemos controlar nuestra forma de ver nuestro origen. Está bien la idea de pertenecer a un colectivo, pero ninguno vale más que otro por existir en un lugar geográfico distinto.

Los que migramos llevamos y traemos nuestras formas de vida, intercambiamos, esto es lo guay, lo chévere, nos conocemos, aprendemos, aprehendemos, cambiamos.

En fin, no creo que la identidad sea una cosa inmutable. Vamos adquiriendo nuevos hábitos, nuevos gustos, nuevas formas de pensar, lo único que permanece (y no siempre) es nuestro nombre en el documento de identidad, el resto es solo circunstancia.

El proceso creativo en la improvisación teatral

Jose Luis Adserías se dedica la improvisación teatral hace 20 años, en el 2001 decidió montar Planeta Impro y años después comienza a dirigir el Impro Training Center de Barcelona. 

En septiembre del 2017 le hice una entrevista para despejar mis dudas sobre cómo es el proceso creativo en la improvisación teatral, resultó una entrevista tan larga como interesante. La dividí en 4 partes para poder remarcar mejor algunos puntos, aquí va:

1ra parte: el proceso creativo y la técnica

“el proceso tiene que ir acompañado de la técnica”
“tú tienes que estar bien entrenado en la técnica”
“la técnica te permite hacer de actor, de escritor, la técnica te permite dirigir lo que estás haciendo”
“yo creo que el trabajo de la técnica tiene que ir integrado de un trabajo de escenario con el público”
“el error es un regalo”
“equivócate con muchas ganas”
“no es cuestión de decir sí a todo es decir sí a las ideas de los compañeros”
“en impro te puedes dar los personajes que tú quieras y puedes ser quien tú quieras”
“la responsabilidad del improvisador es hacer que los demás quieran improvisar con él”
“yo te hago brillar para que creemos algo juntos”

2da parte: el error y las motivaciones de los improvisadores

“en la vida diaria voy improvisando en función de las cosas que pasan”
“cuando eres padre te vas dando cuenta cómo se intensifican los no”
“todos tenemos derecho a equivocarnos y es algo que la impro te lo enseña”
“si estás conectado emocionalmente sabes lo que necesita la historia”
“en impro tú pones una piedra, el otro pone otra y así…”
“cada uno va haciendo en función de los conceptos que necesita reforzar…. porque cada uno necesita cosas diferentes”
“el que se apunta viene a pasarlo bien, a disfrutar y a descubrir la técnica”

3ra parte: cómo es un improvisador avanzado?

“que alguien domine la técnica significa que alguien puede crear historias que tengan un sentido, que puede actuarlas y darles un sentido”
“para mí un improvisador avanzado es aquel que sabe jugar… sin sobresalir sobre el resto del grupo que está jugando, utilizando todas las técnicas…”
“el improvisador avanzado es aquel que sabe usar muchos estilos, tiene muchas herramientas para proponer… tiene un repertorio trabajado de herramientas muy grande que le permite trabajar muchas historias diferentes pero siempre sin perder la escucha del compañero”
“los egos le quitan el brillo a las improvisaciones”

4ta parte: bonus track

“la impro te lleva a querer descubrir”
“al fin y al cabo todo es jugar”

La improvisación teatral: el mejor lugar para equivocarse

La improvisación teatral es una forma de hacer teatro que consiste en poner en escena una historia creada en el momento. Es decir, no se cuenta con un guion previo que señale las pautas de la escena, sino más bien, es ahí mismo, en la escena donde se va descubriendo el rumbo de la historia que se va a contar interpretar.

Para que sea posible este descubrimiento y se origine y desarrolle una historia tiene que haber entre los participantes, entre otras cosas, cierta disposición hacia el juego. Esto permitirá que se acepten todas las propuestas de los compañeros y se produzcan así, inicios, nudos y desenlaces.

Para improvisar, no filtrar

Quienes se dedican a la improvisación teatral entrenan ciertas habilidades necesarias para que fluyan las ideas y se hilvane rápidamente una historia. 

La premisa más importante para improvisar es no filtrar, o sea, decir lo primero que se nos ocurra y sobre ello empezar a construir. Este no filtrar puede ser a la vez una bendición y un reto grande.

Los adultos estamos muy acostumbrados a comportarnos de maneras determinadas en los diferentes lugares donde nos interrelacionamos. Tenemos, así, instalado en nuestro interior un permanente miedo a equivocarnos. Activamos nuestra autocensura todo el tiempo para no decir todo lo que pensamos, para ser cautos y evitar desencajar y que nos miren mal. Pues, la improvisación teatral requiere eliminar esta censura y este tabú del error.

En la improvisación teatral no existen los errores, todo suma. Todas las ideas son buenas, hay que empezar con aceptarlas para tener el germen de una historia para luego, con escucha, cooperación y trabajo en equipo continuar con su su desarrollo y desenlace. 

De aceptación, observación, escucha, cooperación y otros elementos necesarios para improvisar hablaremos en los siguientes posts.

Ver y ver-nos en los Coleman

[crítica de obra de teatro]

La omisión de la familia Coleman es la primera obra de Claudio Tolcachir, dramaturgo argentino que dirige Timbre 4 y que tiene una intensa actividad creadora desde muy joven en Buenos Aires. Ahora viaja por España con algunas de sus producciones y por primera vez convierte a los Coleman en una familia catalana, sus personajes cambiaron de rostro, pero han mantenido sus personalidades, temores y deseos más íntimos.  Vi esta obra por primera vez hace cinco años en el teatro de la Asociación de Artistas Aficionados en Lima como parte del FAEL (Festival de Artes Escénicas) 2013, me impactó, me dejó con la boca abierta ver en escena una familia, que podría ser la de cualquiera, lidiando torpemente con afectos y adversidades que podrían ser los de cualquiera. Hace unos días la volví a ver aquí en Barcelona, y me sorprendí gratamente conectando con esta versión catalana tanto como con la versión argentina. Los Coleman de Catalanuya han sintonizado bien y muestran sus trapos sucios de la misma manera natural que los argentinos.

Llama poderosamente mi atención cómo una pieza teatral de hora y media puede condensar tanto dolor, silencios reprimidos, palabras como ruido, impotencia, marginación y abandono. Los Coleman son un universo de lo infantil, de egoísmo, de ternura entre hermanos, de cariño protector, de vergüenza, de crueldad. En un salón de casa como escenario, con sofás viejos, comedor pequeño, ropa apilada junto a una máquina de coser vemos los prolegómenos de una familia que se disuelve y podríamos vernos reflejados en ella, ser sus espectadores nos pondrá frente a ese espejo irremediable, será otra oportunidad para ver-nos. Hay una joven que intenta algo de orden para su vida dentro de sus desestructurados parientes (Bruna Cusí), una madre que nunca maduró (Roser Batalla), un hijo que ha optado por el alcohol (Ireneu Tranis), una abuela que intenta marcar los límites haciendo de madre (Francesca Piñón), una hija que se “salvó” y que ahora visita en plan benefactor a los damnificados (Vanessa Segura), y claro, también está el más vulnerable, al que más se quiere implicar y al que menos en serio toman, Salva (Sergi Torrecilla), a quien no se le termina de contener y quien al mismo tiempo, une y divide. Veo de nuevo a estos personajes tan bien logrados y admiro más a Claudio Tolcachir.

Los nuevos Coleman siguen impactando, han vuelto a enfrentarnos a una de las cosas más en común que tenemos las personas, seamos de donde seamos, la familia. Con ellos volvemos a pensar en la idea de familia que tenemos o en lo frágil de las uniones, en lo raros que pueden ser vistos nuestros hábitos desde fuera, en la compasión, en la ayuda mutua y sobre todo en el egoísmo, en el ajeno y en el propio.

La omisión de la familia Coleman es un drama que se digiere con humor, uno sutil, cruel, negro, de lo cotidiano, ese humor que nos hace camuflar todo lo que no podemos soportar en la vida.

Esta obra tiene la capacidad de mostrar uno de los grandes problemas que tenemos como humanidad en un pequeño salón de casa, con un lenguaje simple y con una situación tan real como el día a día. Si el teatro nos pone cara a cara con nuestros afectos, esta obra, acercándonos a la navidad, resulta imprescindible para ver-nos.

También se publicó en recomana.cat 

Apuntes breves sobre el género cinematográfico de dibujos animados

Para mis clases del módulo 6 de Impro (improvisación teatral) en el ITC, me tocó presentar muy brevemente el género cinematográfico de dibujos animados, ¿el objetivo? identificar qué recursos de este género nos sirven para improvisar. Copiaré a continuación lo que hice, pero antes dejo un audio que grabé con Ferrán, por si les da pereza leer 😉

Prehistoria: pinturas rupestres
Otros descubrimientos posteriores: en Egipto y en Grecia
1824: Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo.
1906: J. Stuart Blackton estrenó Humorous Phases of Funny Faces
1926: empezó Walt Disney Studio.

Subgéneros de animación
Animación tradicional
Dibujo animado
Animación en volumen
Animación en volumen go motion
Rotoscopia
Animación 3D
Animación experimental
Captura de movimiento

Generalidades del género
El cine infantil y la pedagogía: “El cine puede y debe servir de apoyo en el desarrollo del niño”1. El cine crea un propio lenguaje en el que se combina lo más tradicional de la literatura infantil: la historia y la ilustración1

La trama con mensaje: es un elemento que hay que tener muy en cuenta sobre las pelis de animación, porque por lo general, al ser productos para niños, suelen tener una moraleja, una carga importante de ejemplo de valores o modelos a seguir.

Historias épicas: con una cuota importante de drama. Es decir, hay un objetivo, un obstáculo (conflicto) y una resolución, pero todo en un ambiente de mucha lucha, sangre, adversidades y gran felicidad al final.

La personificación de objetos: en las pelis animadas hablan las teteras, los carros, los animales, las puertas, todo puede hablar y hacer en una peli de animación, esto trasladado a la impro puede ser muy divertido, si haces una escena y no aprovechas que los objetos puedan hablar y sentir, tal vez ni se note que es una peli animada.

El lenguaje: se utiliza la hipérbole como recurso expresivo semántico para exagerar la realidad o la metáfora hiperbólica para hacer comparaciones imaginarias.

La música: según la película que se esté haciendo recae la importancia en la banda sonora que acompaña escenas sin palabras, en la canción que los personajes se dispongan a cantar o en el volumen de ciertos elementos del film.

Al crear una peli nueva en impro, hay que tener en cuenta el sonido para intensificarlo, hacer canciones si amerita o solo ritmos que acompañen. De no hacerlo se perdería una característica importante de este género.

Más libertad a la imaginación: en las historias animadas puede pasar cualquier cosa, tanto como en la cabeza de un niño. Géneros como el western o el thriller, por ejemplo, hace ceñirnos a unas pautas, la animación infantil puede contemplar una bruja, un dragón, un sauna, unos cerdos y una niña que pierde a sus papás en la misma historia.

Frases profundas 
Este género es el más apropiado para lanzar frases grandilocuentes y con profundidad, ejemplos:
. "dale a esta historia un final feliz" (kubo)
. "nunca olvides quién eres ni de dónde vienes" (persépolis)
. "somos todos iguales, ya no hay nadie que nos quiera" (la vida de calabacín)
. "Este no es un lugar para los humanos" (el viaje de Chihiro)
. "Busca lo más vital, lo más esencial para vivir sin batallar" (el libro de la selva)

Recomendaciones
Persépolis
La vida de calabacín
El mundo de Coraline
El viaje de Chihiro
El rey león
Toy story
Buscando a Dori
El castillo ambulante
Intensamente
Up
Mi vecino Totoro
Mulan
Cars
Baby boss
Coco
Bienvenidos a Belleville
Mascotas
Kubo

Manu Pradas: adolescencia, concretar ideas y dupla creativa

Este es un bonus track de la entrevista que le hice a Manu Pradas el miércoles 13 de setiembre del 2017, aquí habla un poco de la adolescencia, los videojuegos, las ideas que no funcionan y lo importante de las duplas creativas. El final los sorprenderá jaja.

Los links para contactar a Manu son:
PerformArt
Perfil en facebook: Manu Proscrito
Cuenta de tuiter
+

Gracias a Juls por ayudarme el día de la grabación

AMA-GO

“Mi amor bonito” es una expresión de afecto, de mucho afecto, de amor, que se puso de moda entre las parejas de enamorados de mi país, a raíz de una canción que lleva este nombre. “Amor bonito”, ¿qué chucha será el amor bonito? pensaba yo, a las justas nos hacemos una idea del amor como para encima llamarle amor bonito ¿no?, y el amor feo ¿cómo es? ¿hay un amor feo? ya, me dejo de preguntas jaja.

Lo que quiero decir sobre esto aquí es: ¿amamos o hacemos el amago de amar tal como nos han amado en el hogar? OJO! detengámonos en “hacemos el amago de amar” a veces solo hacemos la performance de amar, nos “interesamos en las cosas del otro”, “lo apoyamos”, “le decimos cosas bonitas” tal como nos encantaría que nos las dijeran a nosotros. Eso es, queremos que nos amen, que nos den ese amor, no ese amago de amor, ese amor que no nos lo dieron bien en casa o porque no quisieron o no supieron cómo.

Camino todos los días en una ciudad grande, no tan grande como Lima, pero grande, llena de corazones dañados, llena de brazos que esperan abrazar y ser abrazados, cabezas gachas que ni miran a los ojos porque se pueden enamorar de cualquier mirada, porque no importa quién sea, importa que sea una mirada simplemente, una mirada que sostenga, ¿sostiene de verdad? o ¿te parece que te sostiene? parece que ta da vida, tal vez necesitas esa ilusión para seguir adelante ¿no?

Pero, el amor bonito, entonces ¿cuál es? ¿ese que se da a uno mismo y que luego como le sobra te lo da a ti? já, no, el amor bonito es el amor. Punto.

Lo otro solo es A-MA-GO, ama y go! what???? ¿lo otro es un ama y lárgate? sí, eso que todos los corazones tristes de esta gran ciudad hacen como pan de cada día.

“Mi cabeza enferma comienza a degenerar la situación…”

El miércoles 13 de setiembre del 2017 entrevisté a Manu Pradas para hablar un poco de sus #procesoscreativos. Manu es monologuista cómico, improvisador teatral y cabeza de la escuela de comedia, magia y oratoria, PerformArt. Para él, el proceso creativo es una rutina diaria de trabajo.
Conocí a Manu en la primera mitad del año pasado, lo vi por primera vez presentando una gala de monólogos cómicos en el Foment d´Horta y me hizo reír un montón con el acting que acompaña su monólogo sobre las misses de España, al poco tiempo ya era su alumna y empecé a conocerlo y admirarlo. Trabaja hace 11 años en el mundo de la comedia, tiene tres hijos y encauza los caminos artísticos de  decenas de alumnos que llegan a su escuela con ganas de ser comediantes, magos, oradores, improvisadores, imitadores, etc.
En el video está la entrevista completa, habla de cómo le vienen las ideas, de cómo comenzó en el mundo de la comedia, de la actitud que hay que tener para vivir de lo que a uno le gusta, entre otras confidencias 😉 random. Pero si no quieren verlo todo y solo se quieren detener en lo que a mí me llamó más la atención, vayan a los siguientes puntos exactos, apurados:
01:27
¿cómo preparas el texto para tus monólogos?
“soy muy caótico… trabajo constante… hay veces que estás defecando y dices: ¡ay! de aquí se puede sacar petróleo… mucha gente piensa que una persona creativa es bohemia… yo tengo tres hijos”.
04:12
“tal vez por ser hijo único desarrollé más la imaginación…”
05:02
“en el colegio nunca desarrollaron la faceta creativa…”
06:14
consciente vs inconsciente
“yo creo que el proceso creativo es una rutina diaria de trabajo…”
“violar lo que ya está creado…”
07:38
“la importancia de la letra H, sin ella alguna vez nos habríamos comido un coco
estás pensando continuamente…”
09:05
“yo contaba chistes entre poesía y poesía…”
“tú has de ir sacando tu creatividad de alguna forma…”
10:31
“no encuentro un método cuadrado para crear…”
12:08
“tu pensamiento se va mecanizando… yo le llamo ser espartano… por qué ganaban tantas batallas? porque solo se dedicaban a luchar…”
“si tú te dedicas 8 horas diarias a trabajar creando al final lo consigues…”
13:14
¿cómo te enfrentas creativamente a tu rol de padre?
esto no lo spoilearé lero lero candelero
14:53
“yo bailaba y cantaba jotas…”
15:45
¿Cómo haces como profe?
“Intento adaptarme al ritmo de los alumnos… el problema lo tenemos cuando te entra en esa cabecita esa maldita manía de exigirnos demasiado cuando estamos aprendiendo…”
17:12
“Hay que arriesgarse, yo prefiero hacer 20 mil mierdas…
no tener miedo, ser constantes y si te caes, vuélvete a levantar…”
17:56
“Mi cabeza enferma comienza a degenerar la situación…”
20:47
“Yo trabajé en una financiera…”
25:00
“Todas las experiencias nos ayudan a la hora de elegir nuestro futuro… hay que tener uns cosa muy clara: que como no te hagas tú las cosas, nadie las va a hacer por ti…”
26:20
“tener 70 de talento y 30 de constancia es rellenar un cajón de proyectos y no sacarlos nunca…”
26:46
“miedo al fracaso… aceptación… insistir en el no es horroroso”
27:50
Manu habla bien de los chinos…
Los links para contactar a Manu son:
PerformArt
Perfil en facebook: Manu Proscrito
Cuenta de tuiter
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Gracias a Juls por ayudarme el día de la grabación